Vermeer sur tatami (National Museum Art Center, Tokyo de février à juin 2015)

Exposition Louvre : Peinture de genre, scènes de la vie quotidienne
du 21 Février 2015 au 1 Juin 2015

(National Museum Art Center, Tokyo, Japon)

Contrairement à ce qu’on peut lire ça et là, si c’est bien la première fois que l’Astronome ira visiter l’archipel nippon, les visites du peintre de Delft ne sont pas si rares en ces contrées et on avait par exemple pu récemment voir Scarlett Johansson (pardon, La jeune fille à la perle) en 2012 au the Tokyo Metropolitan Art Museum. Et pour tout dire, la probabilité de voir tourner les chefs-d’œuvres de Vermeer est bien plus élevée à Tokyo qu’à Paris (cf. annexe), ou il faut remonter à 2009 pour que la Pinacothèque fasse venir La Lettre d’Amour…

Mais revenons au commencement : l’exposition actuellement présentée au National Museum Art Center de Tokyo, avec Vincent Pomarède comme commissaire, réunit 83 œuvres de l’Antiquité au XIXème siècle, autour du thème des scènes de genre. Le sujet fait la part belle à la peinture flamande et hollandaise, mais aussi au XVIIIème, et rassemble des « second couteaux » (Jean Michelin, Martin Drölling, Constant Troyon), mais surtout beaucoup de grandes signatures parmi lesquelles Bruegel, Rembrandt, Titien, Vermeer, Teniers, Murillo, Titien, Watteau, Chardin, Boucher, Tiepolo (et quelques XIXèmistes classiques Millet, Delacroix ou Corot). L’on voit que le champ chronologique est large, ce que permet l’habile thème, certes un peu facile, mais fédérateur. On regrettera que les cartouches et légendes soient bien brefs, mais la qualité des œuvres compense cette relative déception, et que la langue française soit absente, alors qu’une ligne de plus sur les cartels dans la langue de Molière aurait ravi les Japonais si francophiles. En outre, rien – hors le catalogue – n’explique plus en détail l’histoire du Louvre et de ses collections. Sentiments mitigés, donc, face à ce panorama de qualité, d’une époustouflante beauté, mais où le volet scientifique aurait pu être approfondi.

De surcroît, envoyer aux antipodes des chefs d’oeuvre incontournables (L’Astronome de Vermeer – l’un de deux seuls tableaux du Maître que Paris détient -, La Femme au Miroir du Titien, le Prêteur et sa femme de Metsys, sans parler  de La Sainte Famille de Rembrandt) apparaît problématique pour les visiteurs venus des quatre coins de la planète pour visiter notre Pyramide, sans mentionner les problématiques de fragilité des œuvres, et d’un éprouvant décrochage/transport/déballage de haut vol. Ajoutons que le Louvre n’a pas communiqué sur son site la liste intégrale des œuvres absentes, dont par exemple l’une des rares natures mortes de Baugin (qui en a peint seulement quatre dont 2 conservées au Louvre, une à Rennes et la dernière à Rome) mais que le catalogue Internet précise que “Cette oeuvre n’est pas visible actuellement dans les salles du Musée” lors d’une requête ciblée. Plus d’information eut été bienvenu.

Johannes Vermeer, L’Astronome ou L’Astrologue, huile sur toile, 51 × 45 cm, vers 1668 © Musée du Louvre / RMN

Pour en revenir à Tokyo, l’exposition est scindée en grandes salles par thèmes : origines antiques, « la peinture de genre » (un peu fourre-tout), métiers, scènes allégoriques, scènes galantes, nature, femmes en intérieur, l’artiste en son atelier. Les œuvres sont bien éclairées de manière zénithale artificielle par des plafonds blancs à caissons, et l’on évite heureusement le déplorable effet “joaillerie” à la mode avec des salles plongées dans la pénombre illuminées de spots agressifs . Les tableaux phares bénéficient d’un accrochage sur fond de couleur bleu qui les met en valeur, tandis que le Japon, toujours si organisé, a mis en place un ingénieux système de gestion des foules pour l’Astronome : une file mouvante sur une rangée passe devant le tableau (interdiction de s’arrêter) tandis que juste derrière une barrière les autres visiteurs peuvent s’attarder. Ce n’est pas idéal, la frustration se partageant entre les secondes loges ou la brièveté, mais canalise la foule admirative.

Bartolomé Esteban Murillo (Séville, 1618 – Séville, 1682), Le Jeune Mendiant, vers 1645-1650, 1,34 x 1,10m., Collection de Louis XVI (acquis en 1782) © Musée du Louvre / RMN

Comme évoqué précédemment, le propos et de voir au fil de l’eau l’émergence de la peinture de genre, et plus précisément des scènes quotidiennes, de cet “éloge du quotidien” cher à Todorov. Toutefois, la sélection est bien plus large, puisqu’elle inclut des scènes allégoriques ou sacrées et même un projet de transformation de la Grande Galerie de Louvre par Hubert Robert… On retouche là du doigt le fil conducteur un peu ténu de cette immersion pourtant réussie, mais qui eut pu tout aussi bien s’appeler “Marchands, galants voyageurs et paysans : chefs d’oeuvre du Musée du Louvre” avec plus d’honnêteté. Vincent Pomarède introduit comme suit  le sujet :

« En dépit de son succès auprès de la classe bourgeoise et de certaines franges de la classe aristocratique, la peinture de genre a longtemps été considérée par les académies et les théoriciens comme un sujet pictural mineur sinon vulgaire. De violents conflits, exacerbés au 18e siècle, l’opposent à la peinture d’histoire, ce « grand genre » au sommet de la hiérarchie qui développe des sujets mythologiques ou bibliques dans un style idéalisé. A l’inverse, c’est le réel et sa simplicité que les peintres de genre cherchent à transcrire à travers l’observation directe de leur environnement familier, intime, populaire. Leurs héros sont devenus anonymes. A partir du 16ème siècle, cette peinture prend son essor en Europe, en particulier dans les Flandres. En France, il faudra attendre le 19e siècle et le déclin de la peinture d’histoire pour voir s’émanciper ces sujets de la vie quotidienne. »

Lubin Baugin, Nature morte à l’échiquier ou Allégorie des cinq sens, 1630, huile sur bois, 55 × 73 cm © Musée du Louvre / RMN

On sera sceptique quant au constat d’une peinture de la vie quotidienne qui ne s’émancipe en France qu’au XIXème, alors même que l’exposition montre une famille de paysans par Le Nain, bien qu’il soit tout à fait exact que les sujets galants et mythologiques et de paysage (aux côté de la peinture religieuse, et d’histoire) ait dominé. Sinon que dire, sinon, qu’on ne s’attardera pas à la description des œuvres principales, qui serait bien fastidieuse, pour partager deux coups de cœur plus discrets. Le premier d’entre eux sera tout de même fameux, avec les Deux Cousines de Watteau, d’une délicatesse et d’une pudeur évocatrices, au chromatisme doux, où se détache la cape du soupirant. Acquis vers 1716 par le Roi, relevant du sujet des Fêtes Galantes que nous avions étudié lors de l’exposition au Jacquemart-André, le tableau surprend par son caractère couperinien et l’ambivalence des sentiments se dégageant de cet aréopage élégant, aux vêtements théâtraux. Le titre, certes ancien, ne semble pas donné par l’artiste, et la scène demeure énigmatique : l’amant, sa cape rouge emplie de roses en offre une à la jeune fille qui, sensible, la met dans son corsage. Mais que signifie la deuxième “cousine” dont on ne voit que le dos d’une belle robe à la française ? Rivale déçue, cousine pudique ? Au loin une statue, (Hercule ? Un général Remain ?), et un autre couple de galants près de la pièce d’eau… Les couleurs perlées sont particulièrement remarquables, évitant toute mièvrerie sucrée, le ciel neutre voire froid, tandis que le décentrage du groupe apporte mouvement et urgence, contrastant avec l’immobilisme tranquille du marbre et de l’onde.

Jean-Antoine Watteau (Valenciennes, 1684 – Nogent-sur-Marne, 1721), Les deux Cousines , vers 1716, huile sur toile, 0,30 m x 0,36 m © Musée du Louvre / RMN

Notre deuxième choix, est constitué par un étonnant Fragonard, loin des gauloiseries du Verrou et des sujets d’un artiste trop rapidement catégorisé comme frivole ou coquin, et qui rappelle par sa lumière, son audace, son souffle la peinture d’un Berchem et autres paysagistes italianisants. Le double titre lui-même “L’Orage ou le Chariot abandonné” montre l’hésitation entre la puissante représentation d’Éole déchaîné, et du sujet  : ces misérables mortels qui ne font pas le poids. Les couleurs sont solaires, avec ce ciel encombré mais d’un beau bleu qui attire le regard tout autant que le gilet rouge du paysan, canalisant la lecture sur cette diagonale, insistant sur la lourdeur de cet amas informe, sorte de roc que constitue la chariot. Et aux bourrasques, visualisées par cette superbe bâche gonflée tel un oriflamme,  s’ajoutent d’autres éléments de chaos sonore : les aboiement du chien au premier plan (saisissant raccourci) et les bêlements de la horde du troupeaux affolé. A l’arrière plan, un berger à cheval, brandissant un bâton (?) paraît presque sorti d’une peinture de bataille. Et pourtant, malgré le bruit et la fureur, le désordre, la panique, se dégage de cette oeuvre datant de son voyage en Italie, vers 1759, une impression de luminosité altière, de beauté tendre. Est-ce dû à la blancheur des nuages ? Au caractère aérien du pinceau (cette bâche qui est presque esquissée)… Tout simplement superbe…

Jean-Honoré Fragonard (Grasse, 1732 – Paris, 1806), L’orage, dit aussi La charrette embourbée, vers 1759, 0,73 m. x L. : 0,97 m. © Musée du Louvre / RMN

On aimerait en dire plus, célébrer des moins connus, tels l’Eplucheuse de pommes de Metsu, ou le Satyre et le paysan de Sebastiano Ricci, mais il est temps de vous laisser. Une exposition à ne pas manquer, si vous passer du côté de l’Archipel.

Viet-Linh NGUYEN

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Musée du Louvre. Peinture de genre. Scènes de la vie quotidienne.
(Louvre Museum: Genre Painting – Scenes from Daily Life)
February 21(Sat.) – June 1 (Mon.), 2015

The National Art Center, Tokyo
7-22-2 Roppongi, Minato-ku, Tokyo Japon 106-8558
Tél. : 03-5777-8800

http://www.nact.jp 

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Annexe : Tableau 1 : Liste des expositions présentant une ou plusieurs oeuvres de Vermeer au Japon

Source : Essential Vermeer.