Isaure d'Audeville

Contrairement aux représentations de l’opéra de Stefano Landi qui firent grand bruit dans le microcosme baroque au mois de février dernier, la sortie du DVD d’Il Sant’Alessio de Stefano Landi (Virgin) a, quant à elle, fait très peu de vagues. Profitons donc de ce début d’année pour découvrir ou revivre un spectacle de toute beauté. L’éclairage à la bougie et le petit nombre de musiciens qui compose l’orchestre confère à cet enregistrement  une atmosphère  intimiste et chaleureuse, retranscrivant avec une certaine fidélité l’ambiance du spectacle. Cette intimité, cette proximité avec les musiciens – par de très beaux plans rapprochés faisant palette des divers instrumentistes et chanteurs – convient tout particulièrement au temps de l’Avent et de Noël, rappelant les farandoles de santons, petits ou grands, se pressant autour de la crèche, le tout nimbé d’une douce et chaleureuse lumière. Comme les enfants restent ébahis devant ces personnages de terre, l’on ne peut que s’émerveiller de la douceur des couleurs, de l’harmonie des tons  dont sont parés les somptueux costumes. Délice visuel, c’est également à une découverte sonore que laquelle William Christie nous convie ; la distribution entièrement masculine participe grandement à ce sentiment "d’être ailleurs", de se trouver dans une nouvelle dimension où le temps suspend son cours, comme dans la nuit de Noël. Acceptons d’abandonner pour quelques heures nos occupations quotidiennes, parfois monotones, de prendre le temps de "faire une pause" dans ce monde au tout va trop vite et de recouvrer notre âme et nos yeux d’enfant afin de savourer pleinement ce DVD remarquable. 

Alexandre Barrère :

L'on sait que les haendéliens attendent le Messie. Les delleriens, quant à eux, rêvaient à cette petite boîte cartonnée verdâtre depuis bien longtemps. Les 10 LPs originaux ont été recombinés dans ces 7 CDs (Vanguard Classics), dont certaines pièces avaient déjà fait l'objet de rééditions confidentielles vite épuisées. On retrouvera ici le timbre fragile et poétique d'Alfred Deller, parfois à la limite de ses possibilités techniques mais toujours conteur irremplaçable, truculent ou rêveur, d'une simplicité touchante. Se côtoient des chansons de taverne et autres pièces populaires quelquefois a capella, et de magnifiques pièces accompagnée au luth. Atmosphère, il avait une gueule d'atmosphère, un talent inné à croquer l'ambiance nostalgique de ces chants d'amour malheureux, de ces pintes d'étain qui s'entrechoquent, de ces malicieuses grivoiseries. A l'écoute de cet ensemble se dégage une saveur, un parfum d'ailleurs et d'on ne sais où. Esswood, Lesne, Scholl et bien d'autres ont écumé ce répertoire, sans atteindre les vapeurs insidieuses d'une Albion que l'on imagine embrumée et mélancolique d'Alfred.

Amandine Blanchet :

Depuis le phénoménal et inattendu succès de Tous les Matins du Monde, la viole de gambe a conquis le grand public. Elle l'a conquis par sa déchirante plainte, par ses arpèges virtuoses, ses graves profonds, cette voix si humaine dans son timbre et ses inflexions. Jordi Savall et la fine fleur des musiciens baroques (Pierre Hantaï, Philippe Pierlot, Rolf Lislevand...) reviennent à leurs premières amours, et offrent ici une évocation libre et colorée, d'une incroyable opulence de la Suite d'un Goût étranger et de grands "tubes" du IVème Livre de Marin Marais (Alia Vox). Et dans la complicité chaleureuse de grands interprètes qui se font plaisir, on retrouve une éblouissante "Marche Tartare", un "Tourbillon" tourbillonnant, une "Rêveuse" suicidaire, un "Badinage" abandonné. Les timbres multicolores sont magnifiés par une sublime prise de son, les coups d'archet grisants, l'invention constante. Oui, mon île déserte le sera moins en si bonne compagnie.

Loïc Chahine

Il y a des disques qui captivent des les premières secondes : celui-ci, consacré à Delalande (Alpha), en fait absolument partie. Les premières notes sur le mot "Miserere" sont magiques. On y entend un continuo exemplaire, chaud, rond, enveloppant, et une voix qui prend au tripes. Miserere, aie pitié. Chaque piste vaut presque à elle seule une cérémonie entière. Le Miserere rythmé par les passages du chœur en faux-bourdon, est déjà un sommet, mais il n’y a nulle baisse de régime ensuite. Les Leçons de ténèbres sont très variées, très différentes de celles de Couperin. Ici, le théâtre, le contraste, le baroque ! Il y a des voix sans lesquelles on ne s’imagine plus vivre une fois qu’on les a entendues : celle de Claire Lefilliâtre en fait assurément partie. Ses petites diminutions, ses ornements fins et rapides font le bonheur des uns et agacent les autres. La technique est sans doute peu orthodoxe, mais le résultat est incroyable : une voix de mezzo-soprano pour la tessiture, qui sonne plutôt comme un soprano ; une voix à la fois claire, mais ronde et pleine. Ce disque est couplé avec le Sermon sur la mort de Bossuet, déclamé par Eugène Green. Ce dernier a été fort critiqué, et à juste titre car ces principes de reconstitution sont souvent un peu trop vagues et méritent d’être nuancés. Il est cependant convainquant en prêtre en chaire, et c’est presque une redécouverte d’entendre ici ce Sermon.

Au final, c’est un disque qu’on a toujours autant de plaisir à réentendre, l’on ne comprend décidément pas que quelqu’un aie pu dire que "si Lalande avait su que Claire Lefilliâtre chanterait son Miserere il ne l’aurait pas écrit". Nous pensons au contraire qu’il lui aurait écrit plusieurs autres pièces.

Marion Dammerey

Enrico Gatti aime l'ombre tout autant que la lumière. Et cet enregistrement est à l'image de sa belle jaquette en clair-obscur, teinté de l'amertume de la condition humaine, blasé devant la vanité de ce bas monde. Si jamais je dois partir sur un minuscule cailloux désertique perdu au milieu de l'océan malheureux, alors, les nobles phrasés plaintifs mais retenus du violoniste reflèteront mon désespoir. Jamais le contrepoint corellien n'a été aussi clair, étiré jusqu'à la trame, évanescent et vaporeux. Les tempi doucement balancés, la résignation souriante, la lente sérénité d'un archet qui coule et coule encore sculptent les sonates d'église opus 3 de manière suggestive et douloureuse, tout en conservant un équilibre et un noblesse infinis (Arcana). Gatti n'est pas toujours des plus convaincants dans ses parti-pris quelquefois excessifs, mais ce spleen éclairé à la bougie, tremblant comme une flamme ou un enfants échappé de l'orage a quelque chose de miraculeux et de fervent qu'on croise trop rarement.

Anne-Lise Delaporte

En espérant n’avoir jamais à faire un tel choix, l’heureux élu sera l’Orfeo de Monteverdi par la Venexiana, enregistrement contenu dans un livre-disque numéroté de belle facture édité par Glossa. Non que les bonnes versions de l’Orfeo n’abondent pas, mais il y a dans cette lecture archaïsante et lumineuse, rêche comme le coton des bergers, soyeuse comme la rosée perlant sur les feuilles frémissantes une indéniable poésie. Cet Orfeo sur papier glacé, parfois austère et hiératique, tout en suspension, extrêmement musical et contemplatif, renoue carrément avec l’univers intimiste du madrigal, sculpte les mots, allonge les phrasés, adore les sons tenus. Les cuivres pétouillent timidement, rappellent plus une quelconque foire locale que les ors du palais ducal de Mantoue, les cordes sensuelles et grainées ont l'innocence de la bergerie, les chanteurs radieux mais discrets. Dès le Prologue, la Musica d'Emanuela Galli donne le ton, déclamant chaque mot, frissonnant sur le "più gelate menti" (les esprits les plus froids). Et l'Orfeo de Mirko Guadagnigni, au souffle impressionnant, d'une grande noblesse glacée s'insère à merveille dans cette esthétique miniaturiste et pastel (écoutez ce "Rosa del ciel" interminable). Alors, on aura connu des continuo plus foisonnants, des interprétations plus touffues, plus énergiques. Certains trouveront cet Orfeo maniéré et trop chambriste.  Mais c'est un Orfeo en apesanteur musicale (qui aurait si bien convenu à Trisha Brown), hyper théâtral, qui a choisi de se tourner vers le monde finissant de la Renaissance que j'emporterai sur cet île au trésor. 

Armance d'Esparre

Hourrah ! La voici enfin rééditée - certainement par un passionné de chez Warner - cette Passion selon Saint-Jean qui fut la première sur instruments d'époque et avec des seules voix masculines, en 1965 (Teldec). L'histoire en est complexe puisqu'un premier transfert en CD fut rapidement retiré des bacs devant l'attribution de la direction à Nikolaus Harnoncourt, alors que le mérite en revient en réalité à Hans Gillesberger (Harnoncourt dirigeant le seul Concentus Musicus Wien ; comme cela était clairement affirmé sur les notes des cinq 33 tours d'origine). Quoiqu'il en soit, cette Passion selon Saint-Jean est une vénérable réussite pourtant bourrée de défauts. On oubliera vite la justesse approximative des instruments (quoique le luth d'Eugen M. Dombois soit admirable de même que les bois) et surtout les imprécisions et les décalages des chœurs d'enfant du Wiener Sängerknaben (chœur d'entrée crié avec violence) pour ne retenir que des moments d'anthologie dus à l'Evangéliste si humain de Kurt Equiluz, et au noble Jésus de Max Van Egmond. L'ensemble, dramatique à souhait, baigne dans un climat de ferveur brute et lumineuse, le "Betrachte meine Seel" demeure insurpassé, l'alto enfant anonyme du "Es ist vollbracht" extrêmement touchant. Une version sensible et pionnière à réécouter sans modération.

Sébastien Holzbauer

J’ai longtemps hésité, réfléchi, mis en balance le sublime et l’excellent, le poétique et le vigoureux, le parfait et l’émouvant. Et puis, presque naturellement, alors que l’analyse critique se trouvait en défaut, mon regard s’est porté sur le coffret sombre, désormais un peu élimé, d’Atys de Lully (Harmonia Mundi). Oui, cela n’a rien d’original, ni d’actualité (quoiqu’on annonce une reprise de la production mythique de Villégier à l’Opéra Comique en 2010 grâce à la générosité d’un mécène américain) mais il y a des souvenirs musicaux dont on ne se défait pas. L'orchestre à 5 parties resplendit d'assurance et de pompe louis-quatorzienne, les chœurs exultent et déplorent. Toutefois, la plus grande réussite de cette production a été de parvenir à concilier ce cadre impressionnant et spectaculaire au jeu intimiste des passions des protagonistes tourmentés par la vengeance et l'amour. Otés les perruques et les temples, que d'humanité en ces lieux...  Et pour un « Je me défends d’aimer autant qu’il est possible » lancé avec une fanfaronne ironie par Guy de Mey, un « Atys est trop heureux » frêle et douloureux d’Agnès Mellon, sans oublier cet orchestre moiré, tout entier soumis au drame, on  livrerait bien au bûcher un monceau d’autres chefs d’œuvres...

"Le Baroque pour les nuls : 10 CDs pour découvrir (et apprécier) la musique baroque"

Le Panier de la Muse : friandises baroques pour Noël 2008

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